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quinta-feira, 23 de novembro de 2023
domingo, 4 de setembro de 2022
Leni Riefenstahl
Actriz, bailarina, fotógrafa e realizadora de cinema alemã, foi a mais controversa realizadora do século XX, por ter sido escolhida por Hitler para filmar os Jogos Olímpicos de 1936, com o título "Olympia", uma obra-prima onde usou vários tipos de máquinas. Foi duramente criticada, em 1945, no fim da Guerra e esteve presa por isso, mas a sua longevidade deu-lhe oportunidade de mostrar o seu inegável talento.
Os seus filmes a preto e branco são hoje já memoráveis. Extremamente bonita começou como bailarina e entrou em filmes nos anos 30, passando pouco depois a realizadora cinematográfica. Na segunda metade da década de 70 dedicou-se a produzir livros sobre uma tribo africana, bem como a filmar, com perto de oitenta anos, as profundezas dos oceanos.
Deixou uma obra assinalável e muito se tem escrito sobre ela. Se filmou a propaganda nazi, também é certo que nunca foi do partido e asseverou que nunca tinha tido um romance com o ditador. Alguém disse que "o seu talento foi a sua tragédia", por ser escolhida pelo ditador para realizadora oficial da propaganda do regime nazi. Acabou os seus dias bem com a sua consciência. Deixou o seu nome escrito na 7ª Arte.
Informação retirada daqui
Biografia de Fritz Lang
Realizador de origem austríaca, naturalizado americano.
Nasceu em Viena de Áustria, em 5 de Dezembro de 1890, e morreu em Beverly Hills, California, nos Estados Unidos da América, em 2 de Agosto de 1976.
Fontes:
Enciclopédia Britânica
Biografia retirada daqui
Nasceu em Viena de Áustria, em 5 de Dezembro de 1890, e morreu em Beverly Hills, California, nos Estados Unidos da América, em 2 de Agosto de 1976.
Filho de um arquitecto, Lang estudou muito brevemente arquitectura na Universidade Técnica de Viena, e depois de ter viajado um pouco por todo o Mundo de 1910 a 1914, estabeleceu-se em Paris, por algum tempo, sobrevivendo como pintor.
Participou na Primeira Guerra Mundial, enquanto oficial do exército austro-húngaro, tendo sido gravemente ferido em Junho de 1916. Durante a convalescença começou a escrever guiões para filmes, sobretudo de suspense e de horror, que o fizeram ir para Berlim após o fim do conflito para trabalhar com o produtor alemão Erich Pommer. Parte do guião do Gabinete do Dr, Caligari (1919), de Robert Wiene foi escrito por Fritz Lang.
Fritz Lang é um dos expoentes do Expressionismo, um estilo que tentava descrever emoções subjectivas e as reacções que os objectos e os acontecimentos provocam, e não a realidade objectiva, e que se caracterizou na Alemanha por ter um estilo duro, arrojado e visualmente muito intenso. O primeiro filme de sucesso que realizou foi Der müde Tod (1921), mas a série de filmes que realizou em 1919-1920 com o título Die Spinnen, já o tinham tornado conhecido enquanto realizador. O filme seguinte, Dr. Mabuse, der Spieler (1922) estuda um criminoso de génio; Die Nibelungen (1924), baseado no romance medieval alemão redescoberto em 1755 e celebrizado por Wagner, conta a história de uma vingança auto-destrutiva; Metropolis (1926) possivelmente o mais importante filme de ficção científica alguma vez realizado, é uma visão expressionista do futuro, baseado no livro da sua mulher Thea von Harbou, com quem se casou em 1922, e que tinha conhecido quando ambos escreveram o guião de Der müde Todt (1921); e M (1931), o seu filme alemão mais famoso, e o seu primeiro filme sonoro, mostra um assassino de crianças que confessa o seu comportamento criminosos compulsivo.
O filme Das Testament des Dr. Mabuse (1932), onde um louco descreve a filosofia nazi, foi proibido em Março de 1933 pelo chefe da propaganda nazi Joseph Goebbels, dois meses depois do partido nacional-socialista ter tomado o poder, mas o que não o impediu de convidar Lang a supervisionar a indústria cinematográfica alemã, e a realizar filmes de propaganda. Lang abandonou Berlim nesse mesmo dia, indo viver para Paris, onde realizou um filme com Charles Boyer, tendo-se mais tarde estabelecido nos Estados Unidos, de que se tornou cidadão em 1935. Entretanto a mulher pediu o divórcio e aderiu ao Nazismo.
O seu primeiro filme americano, Fury (1936), estudo de uma multidão que realiza um linchamento, é considerado o seu melhor da fase americana. Outros se lhe seguiram de 1937, em que realizou You Only Live Once até 1956 data do seu último filme Beyond a Reasonable Doubt.
Em 1956 Lang, farto de produtores metediços e controladores, abandonou a América indo viver para a Alemanha. Em 1959 realizou, em alemão, dois filmes na Índia, e em 1960 realizou na Alemanha o seu último filme Die Tausend Augen des Dr. Mabuse. Em 1964, quase cego, presidiu ao Festival de Cannes.
Enciclopédia Britânica
Biografia retirada daqui
Biografia de Luchino Visconti
Realizador de cinema italiano do século XX.
Nasceu em Milão em 2 de Novembro de 1906;
morreu em Roma em 17 de Março de 1976.
Luchino Visconti di Morone nasceu em 2 de Novembro de 1906 em Milão, «quando a cortina subiu no Scala», como ele próprio dizia. Filho de Giuseppe Visconti, duque de Modrone, e de Carla Erba, herdeira de uma ffortuna feita na indústria química, sendo um dos sete filhos do casamento, que durou até 1924, tendo tido uma infância bastante privilegiada.
Durante sua juventude contactou com importantes intelectuais e artistas, como o maestro Toscanini, o compositor Puccini e o escritor D'Annunzio. Como é natural, interressou-se desde cedo pela música e pelo teatro, mas também pelos cavalos, que se tornaram uma paixão. Tendo feito o seu serviço militar em 1926 na arma de cavalaria, passou a criar cavalos puro-sangue destinados às corridas de cavalos, logo que foi desmobilizado, de 1928 a 1936, não pensando em muito mais do que isso. Quando este interesse começou a esmorecer, e depois de ter realizado uma viagem à Alemanha, foi viver para Paris tornando-se amigo de Coco Chanel. A costureira apresentou-o ao realizador Jean Renoir com quem trabalhou brevemente no filme Une Partie de campagne, realizado em 1936, experiência que fez com que se interessasse seriamente pelo cinema. Nesta época, em que a Frente Popular governou em França, Visconti, que tinha sido um apoiante do fascismo, aderiu ao comunismo.
Em 1937, Visconti passou por Hollywood antes de regressar a Roma. Já Itália participou no filme de Renoir La Tosca, que terminou com o auxilio do assistente do realizador francês, devido ao regresso deste a França com o começo da Segunda Guerra Mundial. A partir de 1940 ligou-se ao grupo do jornal Cinema. Para financiar o seu primeiro filme vendeu algumas jóias da família. Ossessione de 1942, uma adaptação não autorizada do livro de James M. Cain O carteiro toca sempre duas vezes, teve dificuldades com a censura fascista, mas o resultado foi um enorme sucesso em Itála. No fim da Segunda Guerra Mundial Visconti permitiu que seu palácio fosse utilizado como centro de comando secreto por membros da resistência comunista, e participou em acções armadas contra os ocupantes alemães. Estas actividades fizeram com que fosse preso pela Gestapo em 1944, durante um curto período de tempo. Vingou-se do tempo passado na prisão quando filmou a execução do chefe da policia política italiana Pietro Caruso, para o documentário realizado em 1945 - Giorni di gloria.
O partido comunista italiano encarregou-o de produzir uma série de três filmes sobre pescadores, mineiros, e camponeses da Sicília, mas só o La Terra Trema - Episodio del mare foi realizado, em 1948. Este filme, juntamente com Rocco e i suoi fratelli, de 1960, que documentam as dificuldades das classes trabalhadoras, foram censorados pelos sucessivos governos de direita que dirigiram a Itália no pós-guerra. Mas, a partir dos anos sessenta, os filmes de Visconti tornaram-se mais pessoais. Talvez os seus trabalhos mais importantes sejam Il Gattopardo [O Leopardo], de 1963, e a Morte a Venezia [Morte em Veneza], de 1971. A adaptação exuberante do romance de Giuseppe di Lampedusa, saído em 1958, que retrata o declínio da aristocracia siciliana durante o Risorgimento, era um assunto que lhe estava próximo devido à história da sua família.
Não sendo o mais fácil dos diretores (a actriz Clara Calamai afirmou que era «um senhor medieval com chicote»), Visconti granjeou mesmo assim o respeito dos seus actores. Apesar de ser conhecida a maneira como tratou Burt Lancaster durante a rodagem do Leopardo, este actor afirmou que Visconti era «o melhor director com quem trabalhei até agora ... um sonho para um actor".
Luchino Visconti encenou diversas peças de teatro, incluindo obras de Jean Cocteau e Tennessee Williams. Era tão famoso como director de ópera como o era como realizador de cinema, sendo reconhecido o seu trabalho com Maria Callas, que afirmou que fora Visconti que a ensinara a representar.
Abertamente bisexual, como o seu pai, os filmes de Visconti têm poucas personagens explicitamente homosexuais, embora haja frequentemente nos seus filmes um erotismo encapotado de teor homosexual. Favoreceu sempre actores principais atraentes, tais como Alain Delon, e a sua obsessão no fim da vida foi pelo actor austríaco Helmut Berger que dirigiu no filme La caduta degli dei [A queda dos deuses] (1969), Ludwig (1972) e Grupo di famiglia in un interno (1974).
O seu hábito de fumar (até 120 cigarros por dia) provocou-lhe um ataque de coração, que lhe debilitou bastante a saúde, mas recuperou o suficiente para fazer L'Innocente antes de morrer em Roma em 1976. O funeral de Luchino Visconti teve a presença do presidente italiano Giovanni Leone e do actor Burt Lancaster. Houve quem ridicularizasse o estilo de vida de Visconti - opulento é o mínimo que se pode dizer -, já que era reconhecidamente marxista. Salvador Dali afirmou sarcásticamente que o realizador «era um comunista que só gostava do luxo». Visconti explicou a um repórter americano em 1961, que «eu acredito na vida, isso é o essencial ... e acredito numa sociedade organizada. E penso que tem hipóteses».
Fonte:Enciclopédia Portuguesa e Brasileira de Cultura;Encyclopedia Britannica
segunda-feira, 8 de agosto de 2022
Alfred Hitchcock
O mestre do suspense é um nome incontornável na história do cinema. Nos EUA sempre o viram como mais um excêntrico inglês, mas foi na Europa que o seu valor como um dos mais notáveis cineastas de todos os tempos, foi consagrado. Alfred Hitchcock fez-nos ver o que era de facto o medo!
Estava o século XIX a dar os últimos suspiros quando pela primeira vez respirou aquele que viria a ser o maior génio do cinema britânico. Alfred Hitchcock nasceu em Leytonstone, um bairro na cidade de Londres.
Teve uma educação segundos os principios vitorianos da época e sempre esteve destinado a seguir uma profissão popular, como o seu pai que era merceeiro.
No entanto, nos anos 20 Alfred descobriu o cinema e nunca mais o largou.
Nesse ano foi contratado como desenhador de titulos, uma profissão que desempenhou durante dois anos. Em 1923 o realizador do estúdio ficou gravemente doente e o director mandou Hitchcock acabar as filmagens. O filme era Always Tell Your Wife e o seu desempenho como realizador impressionou de tal forma os responsáveis que a partir desse momento Alfred Hitchcock se tornou oficialmente realizador do estúdio. Só que no mês seguinte o estúdio abriu falência e o jovem de 24 anos teve de ir trabalhar como assistente de direcção para Michael Balcon.
Foi preciso esperar até 1925 para que na Gainsborough Pictures lhe dessem finalmente a oportunidade de realizar um filme. The Pleasure Garden foi o título que o acabaria por lançar para a ribalta do cinema britânico.
Em 1927 chega o seu primeiro grande sucesso, The Lodger. O filme seria também o primeiro de uma série infindável em que o próprio realizador fazia um pequeno "cameo" no início. Tornar-se-ia uma das suas imagens de marca.
Outra seria revelada a François Truffaut numa entrevista concedida nos anos 60. O realizador chamou-lhes "MacGuffins", ou seja o engodo para a narrativa. Todos os filmes do realizador se passaram a distinguir dos demais filmes de suspense exactamente devido aos MacGuffins.
Com Blackmail em 1929, The Man Who Knew To Much em 1934, The 39 Steps em 1935 e Sabotage em 1936, Hitchcock tornou-se no mais reputado realizador inglês. Não surpreendeu ninguém que em 1940 tentasse uma aventura em Hollywood. A principio todos os estudios o rejeitaram dizendo que seria incapaz de fazer um filme à maneira de Hollywood. Até que David Selznick lhe ofereceu um contrato para realizar Titanic. O filme não se fez e em vez disso Hitchcock realizou Rebeca. O seu primeiro filme americano seria coroado de sucesso e seria mesmo o vencedor do óscar de Melhor Filme. O que era para ser uma aventura, acabou por se tornar um mito.
Apesar de Rebeca ter sido o grande vencedor da noite dos óscares, o realizador nunca ganhou nenhum. Algo imperdoável para muitos, incluindo para o próprio que, quando em 1980 recebeu um óscar honorário, sarcasticamente agradeceu com um simples "thank you".
Mas a verdade foi que é a partir de Rebeca que o mito do mestre do suspense inicia.
Em 1941, Suspicion é de novo um sucesso o mesmo se passando com o notável Shadow of a Doubt no ano seguinte. Em 1945 Spellbound voltou a ser um exito imenso tal como Notorious em 1946. Mesmo os seus filmes menos célebres se tornavam clássicos, como o próprio chegou a dizer.
Em 1948 com o filme Rope, inicia uma relação de grande cumplicidade com James Stewart que se vai estender durante a década de 50 em mais três filmes: o remake de The Man Who Knew To Much (1956) , Rear Window (1954) e a sua obra-prima, Vertigo (1958).
Também Cary Grant cedo se tornou um dos seus actores fetiches. Depois de entrar em Suspicion e Notorious, foi a estrela de To Catch a Thief (1955) e North By Northwest (1959) .
Mas quem conhece Hitchock sabe que nos seus filmes o papel principal cabe às mulheres. Mulheres sempre misteriosas com algo a esconder mas profundamente sensuais. Normalmente loiras, foram várias as que fizeram parte da vida e filmografia do realizador. Desde Madaleine Carrol a Tipi Hedren, passando pelas inevitáveis Ingrid Bergman, Grace Kelly, Kim Novak ou Janet Leigh. As mulheres eram a sua perdição e a dos seus personagens principais, mas eram também um objecto com que o realizador jogava habilmente. Como chegou a dizer, para ele o interessante nas mulheres era que se podiam "comportar como senhoras, mas depois serem umas verdadeiras putas quando a porta se fechava". O próprio Hitchcock chegou a dizer que actrizes como Marilyn Monroe ou Brigitt Bardot não lhe interessavam porque tinham o "sexo na cara".
Ao entrar na década de 60, chegaram as suas últimas grandes obras. Em 1960 o mitico Psico, em 1963 The Birds, Marnie em 1964 e Torn Curtain em 1966.
No entanto, depois destes poucos foram os projectos que o realizador acabou por levar até ao fim. A doença começava-o a atingir gravemente e, cada vez mais debilitado, o realizador acabou por sucumbir finalmente em 1980.
Mesmo na hora da morte o seu humor caústico esteve presente na inscrição que queria colocar na lápide "É isto que acontece a meninos que se portam mal"!.
A perda de Alfred Hitchcock foi uma das maiores perdas que o cinema já teve de suportar. Nunca nenhum realizador conseguiu fazer o público sofrer tanto, e de uma forma quase masoquista, porque é raro encontramos um filme dele que não tenha sido coroado de sucesso, quer económico quer cinematográfico.
O mestre do suspense deixou-nos, mas o seu fantasma ecoará para sempre nas salas de cinema, onde soube ser criar uma atmosfera única!
Biografia de Adir José Curi, o Alberto Cury
Locutor, noticiarista, narrador e apresentador brasileiro de rádio e televisão nascido em Caxambu, Estado de Minas Gerais, que atuou como noticiarista e chefe dos locutores na rádio Jornal do Brasil e foi um dos mais laureados locutores do rádio brasileiro. Filho do comerciante José Kalil Curi e de Maria Curi, tinha sete irmãos, entre eles os saudosos narrador esportivo Jorge Curi e o grande cantor Ivon Curi. Começou no rádio (1944), na vaga de seu irmão Jorge, que havia se transferido para o Rio de Janeiro com o fim de assinar contrato na Rádio Nacional. No final da década seguinte (1958), também chegava ao Rio, contratado como locutor pela mesma emissora que o irmão. Sete meses depois, transferiu-se para a Rádio Jornal do Brasil, onde ficou por 13 anos (1959-1972). Paralelamente foi contratado pela Agência Nacional do Governo Federal, pela qual transmitiu as importantes cerimônias oficiais realizadas no Brasil, especialmente durante o período dos governos militares e com os diversos presidentes da República, e também o Ato Institucional N.º 5, irradiado em cadeia nacional de rádio e televisão. Participou de inúmeros programas de TV, entre eles Grandes reportagens e Diário de um repórter, crônica diária escrita por David Nasser e apresentada antes do famoso Repórter Esso, e o Programa Flávio Cavalcanti. Foi diretor da Rádio Tupi AM e, aposentado (1993), voltou para sua cidade natal e faleceu em Caxambu, Minas Gerais.
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Biografia de Elvira Sales Velez Pereira
Actriz de teatro e cinema portuguesa, nascida em Lisboa, estreou-se apenas em 1913, no Teatro Moderno, mercê de grande insistência junto da família, que não via com bons olhos a hipótese de se dedicar à vida artística. Em 1914 já faz parte do elenco do Teatro de S. Luís com companheiros como Ângela Pinto e Chaby Pinheiro e mais tarde com outras "estrelas" dos palcos nacionais como Adelina Abranches, António Silva, Aura Abranches, Maria Matos, Vasco Santana, Brunilde Júdice, entre outros. Também trabalhou com a "grande" Palmira Bastos. Fez digressões ao Brasil e foi uma excelente actriz no género comédia. Na revista distingui-se em "Agora é que são elas" e "Abril em Portugal". Também esteve no elenco da película "Aldeia da Roupa Branca". Fez teatro radiofónico e a sua voz era conhecida de todos os portugueses. Recebeu o Prémio Lucinda Simões para Melhor Actriz, em 1970, no papel da "Titi" na peça "A Relíquia", de Eça de Queiroz, vários meses no Teatro Maria Matos. Recebeu diversas condecorações entre elas a Ordem de Santiago da Espada. Foi mãe da actriz Irene Velez, casada com outro homem da rádio e política, Igrejas Caeiro.
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Maria de Lurdes de Almeida Lemos conhecida apenas por "Milu" (1926-2008)
Actriz de cinema e teatro de revista portuguesa. Estreou-se, aos doze anos, no filme "Aldeia da Roupa Branca" ao lado de Beatriz Costa. Extremamente bonita e fotogénica, encantou gerações de portugueses e portuguesas, podendo, sem favor, ser comparada às "estrelas" de Hollywood. Foi também uma presença assídua na rádio, onde começou aos dez anos a cantar. Em 1942, é a "Luisinha" no filme "O Costa do Castelo", de Artur Duarte, e a sua voz imortalizou a música "Minha Casinha" mais tarde reinterpretada pelo conjunto musical "Xutos e Pontapés", com enorme sucesso. Outro sucesso foi "Cantiga da Rua". Casou, pela primeira vez, em Dezembro de 1943, aos dezassete anos. Lisboa despovoou-se para ir ver a noiva à igreja de São Sebastião da Pedreira. Interrompeu a sua carreira artística, mas os e as fãs obrigaram-na a regressar. E mais sucessos se seguiram, numa das épocas mais criativas do cinema português: "Cantiga da Rua","O Leão da Estrela", em 1947, "O Grande Elias", em 1950, entre outros. Foi sem sombra de dúvida "a namoradinha de Portugal". As revistas de cinema e quase todas as outras escolhiam-na para capa, pois a sua beleza deslumbrava. Fez teatro de revista no Teatro Avenida, nomeadamente em "Ó Rosa Arredonda a Saia" e no Teatro Variedades com "A Vida é Bela" e entrou em alguns filmes em Espanha, nos anos de 1943 e 1946. Casou, pela 2ª vez, em 1960 e viveu no Brasil até 1968, tendo actuado esporadicamente na televisão brasileira. A sua última aparição em cinema foi em "Kilas o Mau da Fita", de José Fonseca e Costa, em 1980. Faleceu a 5 de Novembro de 2008.
Biografia retirada daqui
Carmen Dolores Cohen Sarmento
Actriz e encenadora, nascida em Lisboa, em 1924. As suas interpretações granjearam-lhe o apreço unânime da crítica. Aos 80 anos que cumpriu em 2004 deu entrevistas e a sua serenidade e beleza são ainda motivo de júbilo para quem a vê no palco, na tela ou na televisão. Estreou-se no cinema em «Um Homem às Direitas» (1944), «A Vizinha do Lado» (1944), «Camões» de Leitão de Barros (1946). Subiu ao palco em 1945, integrada na Companhia "Os Comediantes de Lisboa", no Teatro da Trindade, depois foi somando sucessos. Casou em 1947 e em 1951 passou para o palco do Teatro Nacional de D. Maria II, dirigido por Amélia Rey Colaço e marido com diversos sucessos de que se destaca Fei Luís de Sousa de Almeida Garrett. Em 1959 ganhou o Prémio de Melhor Actriz na peça «Seis Personagens à procura de um Autor», de Pirandello. Criou, com outros actores, o Teatro Moderno de Lisboa, no palco do Império, tendo desenvolvido um projecto que levou à cena novas encenações de peças de autores consagrados como Dostoievski, Steinbeck, Shakespeare, Strindberg José Cardoso Pires. Viveu sete anos em Paris, e de regresso continuou uma série de grandes interpretações. No cinema vimo-las em «A Mulher do Próximo» de Fonseca e Costa. Carmen Dolores foi agraciada, em 2004, com a Ordem do Infante Dom Henrique no grau de Grand
Beatriz Costa
Actriz de revista e cinema portuguesa, de grande sucesso, nasceu na Charneca do Milharado, perto de Mafra. Teve uma infância sem grande ambiente familiar, de um lado para o outro com a mãe, que viveu ao sabor dos amores de ocasião. Começou na revista "Chá e Torradas", como corista, no Éden Teatro e seguiu depois para o Brasil, onde residiu até 1926. A "Menina da Franja" como ficou conhecida estreou-se no cinema no filme "O Diabo em Lisboa", que não teve distribuição comercial. A "Canção de Lisboa" é o seu grande sucesso, onde faz o papel de "menina Alice", filha de António Silva. Entra em "Aldeia da Roupa Branca", onde canta com a sua voz esganiçada. Tinha trinta anos. Voltou ao Brasil e casou, em 1947, mas separou-se dois anos depois. Entre Lisboa e Rio de Janeiro Beatriz Costa fez uma carreira de cheia de sucessos. Quando se retirou da vida artística decidiu escrever livros biográficos «Sem Papas na Língua», 1975 e «Quando os Vascos eram Santanas», 1977. Figura acarinhada e querida em todo o país, viveu no Hotel Tivoli, em Lisboa, até ao fim dos seus dias. Divertida e risonha, manteve sempre o seu ar irreverente e um humor saudável. Mafra homenageou-a dando o seu nome ao Teatro Municipal Beatriz Costa. Os filmes em que é vedeta são constantemente exibidos na RTP Memória com enorme sucesso de audiências.
Natália Correia
Nasceu na ilha em Ponta Delgada, ilha de São Miguel em 1923 e faleceu em Lisboa em 1993. Personalidade intelectual versátil, dedicou-se a vários géneros, além de marcar a sua presença na política e na imprensa. Sua produção abrange a poesia, o romance, o teatro, o ensaio, memórias, relatos de viagem, organização de antologias e colaboração em vários jornais e revistas. Embora tenha começado pela literatura infantil (A Grande Aventura de um Pequeno Herói, 1945) e pelo romance (Anoiteceu no Bairro, 1946) foi na poesia que encontrou a expressão mais depurada de seu temperamento a um só tempo lírico e irónico, características acentuadas a partir de Dimensão Encontrada (1957) e em suas obras dramáticas. Dentro dessa linha, que a tendência surrealista da poesia portuguesa pós-1950 vem sublinhar, compôs grande parte de sua obra poética, revelando um discurso lírico insólito e singular a oscilar entre a linguagem alegórica e a voz interventora. Estão neste caso, por exemplo, Passaporte (1958), o longo poema Cântico do País Emerso (1961) e mais tarde Mátria e Maçãs de Orestes (1970). Em seu livro Poemas a Rebate, publicado em 1975, chama, na introdução, ao conjunto de seus “poemas indóceis” de “pentagrama de indignação”. Indignação constante é o que não falta á obra de Natália Correia seja motivada pela censura que a amordaçou por longo tempo, seja por uma insurreição natural a todos os engodos ideológicos da organização social. A capacidade de abranger, contudo, várias expressões líricas, bem como sentimentos e visões aparentemente opostos, entre a subjectividade romântica e a objectividade realista, levaram-na à composição, nos dois últimos anos, de Sonetos Românticos (1991, Grande prémio da Poesia APE/CTT), na poesia, e ao romance As Núpcias (1992). No primeiro, parece voltar à primeira fase de sua expressão em virtude da abstraccão do objecto lírico, não obstante, agora, mais intelectualizada, beirando certo misticismo da criação poética, da escrita, da expressão verbal. Por isso, define o soneto como “misterioso nó que em sacra escrita / cimos e abismos une”. Abismos, que enfim, de onde sempre procurou garimpar a sua “aurífera” poesia.
Claudette Colbert pseudónimo de Lily Cauchoin (1903-1996)
Actriz de origem francesa, emigrou com a família para os EUA, em 1910. Começou no teatro e em 1928 com a sua representação na peça "Dynamo" de Eugénio O' Neill ganhou fama imediata. Inicia a sua carreira cinematográfica em 1929 vocacionada para a comédia, tendo recebido, com Clark Gable, o Óscar da Academia em 1934, no filme de F. Capra, no papel de uma menina mimada e fugitiva em "Aconteceu numa Noite". Fez digressões teatrais pela Europa, bem como peças para televisão e talk shows. Trabalhou com grandes realizadores como C. B. de Mille e Georges Cukor. Participou em mais de 60 filmes.
Maria Magdalene von Losch Felsing - Marlene Dietrich
Actriz norte-americana de cinema de origem alemã, naturalizada norte-americana, nasceu em Berlim. Começou por fazer cinema mudo e o seu primeiro sucesso data de 1930, quando o realizador Josef Von Strenberg que lhe deu o papel de Lola, uma cantora de cabaré no filme "Anjo Azul".Viveu em Hollywood e rodeou-se de uma aura de vedeta. Perfeccionista com um rosto fora do vulgar, extremamente fotogénica e detentora de umas pernas perfeitas que foram, com as sobrancelhas finas e em arco a sua imagem de marca. Dos filmes em que foi vedeta salientam-se "A sede do mal" de Orson Wells, "Marrocos" (1939), "Expresso de Xangai" (1932) e "Cidade Turbulenta" (1939). Com Greta Garbo encarnaram as "divas" supremas do cinema dos anos 40.
Walt Disney
Walt Disney nasceu em Chicago, no dia 5 de Dezembro de 1901. Era um dos 5 filhos de Elias Disney e Flora Call Disney (4 rapazes e uma rapariga).
Rato Mickey
Depois do nascimento de Walt, a família Disney mudou-se para Marceline, no Missouri, onde Walt viveu a maior parte da sua infância.
Walt demonstrou, desde muito novo, interesse pela arte. Para fazer dinheiro extra vendia, com frequência, desenhos aos seus vizinhos.
Estudou arte e fotografia, tendo ingressado na High School de McKinley, em Chicago.
Em 1918, Durante a primeira grande guerra, Disney tentou alistar-se no serviço militar mas foi rejeitado devido a ter, na época, apenas 16 anos de idade. Walt ofereceu, então, os seus préstimos à Cruz vermelha, tendo sido enviado para França, onde permaneceu um ano guiando uma ambulância a qual, em vez de ostentar uma camuflagem normal, estava coberta por desenhos seus.
Após o seu regresso de França, iniciou, com uma pequena companhia chamada Laugh-O-Grams, a sua carreira em arte comercial. Devido ao pouco sucesso que obteve com esta empresa, resolveu rumar a Hollywood e aí começar de novo.
Em 1928, surge a sua primeira personagem, o rato Mickey, à qual se seguem, nos anos seguintes, inúmeras outras: Donald, Pateta, Pluto, tio Patinhas, Minnie...
Em 1937, realiza a sua primeira longa metragem de animação: Branca de Neve e os 7 Anões.. Seguiram-se inúmeras outras produções, umas com imagens animadas, outras com imagens reais, outras, ainda, fundindo os dois géneros como Mary Poppins (1964).
Para além de estúdios cinematográficos, o vasto império criado por Walt Dysney inclui diversos parques temáticos (Disneylândia, Eurodisney...), inúmeros canais de televisão e elevados rendimentos originados na venda directa de filmes e livros e nos direitos de utilização por outras entidades das imagens dos personagens.
Walt Disney transformou-se numa lenda, tendo criado, com a ajuda da sua equipa, todo um universo de referências no imaginário infantil de sucessivas gerações. As suas histórias facilmente compreensíveis, reflectem os valores médios da tradição americana.
Greta Garbo
Actriz de cinema de sueca, de seu nome completo Greta Lovisa Gustafsson naturalizada norte-americana, conhecida por "a divina". Já tudo foi dito sobre esta mulher de rosto perfeito, com uma fotogenia fantástica, nascida em Estocolmo e radicada nos EUA desde 1925. Aos 15 anos órfã de pai, trabalhou loja de modas. Descoberta pela publicidade foi convidada por E. A. Petschler para figurar num pequeno filme como banhista. Entrou para a Real Academia de Arte Dramática de Estocolmo, em 1922 e no ano seguinte faz o primeiro casting para cinema. Trabalhou com Mauritz Syiller, que lhe deu o apelido de Garbo. A sua celebridade seria conquistada nos EUA onde trabalhou no cinema mudo que transpôs para o cinema sonoro sem quaisquer problemas devido à sua voz profunda e sensual. O seu ar andrógino e frio criou o mito. As suas paixões foram um mistério e passou a sua longa vida sem nunca casar. Os papéis no grande ecrã são hoje, muitos deles, filmes de culto como "Amor", 1927, "A Mulher Divina" e "A Dama Misteriosa", 1928, "O Beijo", 1929, "Romance", 1930 "Inspiração", "Mata Hari", 1932, "A Rainha Cristina", 1934, "Ana Karenina", 1935, "Camille", (para os críticos o seu melhor filme) e ainda "Margarida Gautier", 1936, "Maria Walewska" (1937) "Ninotchka", 1939 e "A Mulher de duas caras", 1940 último filme em que entrou. Deixou de aparecer em 1947. Em 1955 recebeu o Óscar da Academia pelo conjunto da sua carreira. Saiu de cena no auge da fama tendo conquistado um lugar único na 7ª Arte.
Biografia retirada daqui
Adelino Fontoura
Adelino Fontoura (A. da F. Chaves), ator, jornalista e poeta, nasceu na povoação, hoje cidade, de Axixá, à margem esquerda do rio Mearim, no Maranhão, em 30 de março de 1859, e faleceu em Lisboa, Portugal, em 2 de maio de 1884. É o patrono da Cadeira n. 1, por escolha de Luís Murat.
Foram seus pais Antônio Fontoura Chaves e d. Francisca Dias Fontoura. Aos dez anos, concluído o primário, começou a trabalhar no comércio. Durante dois anos manteve contato com Artur Azevedo, quatro anos mais velho, que também trabalhava em armazém. Teriam os dois começado, então, os seus sonhos de homens de letras incipientes. Artur foi para o Rio de Janeiro e Adelino alistou-se no Exército, em Pernambuco, e lá passou a colaborar no periódico satírico Os Xênios. Em 1876 esteve no Maranhão, participando de representações teatrais, como o ator Fontoura. Após uma experiência que lhe custou a prisão, em virtude de um papel que representou no teatro, deliberou mudar-se para o Rio de Janeiro e ali procurou o amigo Artur de Azevedo. Queria ser jornalista e entrar para o teatro. Nada conseguindo em teatro, foi admitido na Folha Nova, de Manuel Carneiro. Depois Lopes Trovão deu-lhe um lugar no recém-fundado jornal O Combate, onde publicou muitos de seus poemas.
Em 1880, Artur Azevedo o chamou para ser seu companheiro no jornal A Gazetinha. Pouco antes, fundara-se a Gazeta da Tarde, de Ferreira de Menezes. Adelino ali publicou numerosos trabalhos de prosa. Informa Múcio Leão que A Gazeta da Tarde "foi um dos jornais mais azarentos que tem havido o mundo." Começou esplendidamente, e tinha como seus diretores e principais redatores Ferreira de Menezes, Augusto Ribeiro, Hugo Leal, João de Almeida e Adelino Fontoura. Três anos depois, nenhum desses rapazes existia mais.
Adelino Fontoura viveu nessa fase de sua vida uma paixão não correspondida. Sentindo-se doente, decidiu ir para a Europa. Em 1o de maio de 1883 partiu, no navio Gironde, para Paris, como representante da Gazeta da Tarde, que então havia sido comprada por José do Patrocínio. Lá esperava encontrar melhoras para a saúde, mas deparou-se com insuportável inverno. Viajou para Lisboa, para onde seguiu José do Patrocínio, na esperança de convencê-lo a embarcar de volta para o Brasil. Seu estado de saúde era crítico, por isso foi internado no Real Hospital São José, onde veio a falecer aos 25 anos de idade, justamente quando poderia produzir toda uma obra poética de mérito literário.
Ao fundar-se a Academia, em 1897, seu amigo Luís Murat escolheu-o como patrono da cadeira por ele criada. É o único caso de um patrono na Academia que não tinha livro publicado. Em vida, ou não atribuíra muita importância a seus trabalhos para reuni-los em livro, ou confiara em não morrer tão cedo. Após a morte, várias tentativas foram feitas para reunir a obra dispersa do poeta. A Revista da Academia (n. 93 e n. 117) publicou-lhe quase todas as poesias conhecidas.
No suplemento Autores e Livros, em 17 de outubro de 1943 (vol. 5o, n. 13), Múcio Leão apresentou em conjunto a obra do malogrado escritor. Conseguiu reunir perto de quarenta poesias, às quais juntou alguns trabalhos de prosa. Em 1955, saiu o volume Dispersos, de Adelino Fontoura, na série Inédita da Coleção Afrânio Peixoto, com informação de Múcio Leão sobre a vida e a obra esparsa do poeta.
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Ademar de Almeida Gonzaga
Ator, jornalista, crítico, diretor, produtor e cineasta brasileiro nascido no Rio de Janeiro, RJ, pioneiro do cinema brasileiro, fundador do primeiro cineclube do Brasil (1912) e criador do mais completo estúdio de sua época, a Cinédia, estúdio até hoje em funcionamento, embora atendendo mais a produções de televisão. Foi crítico das revistas Palcos & Telas e Paratodos e fundador da revista Cinearte (1926-1942). Pesquisador, historiador, produtor, roteirista, ator e diretor de cinema, esteve três vezes em Hollywood para aprender a técnica e adquirir equipamentos para suas produções. Foi parceiro de Paulo Emílio Salles Gomes num básico livro-tese sobre Humberto Mauro, o ciclo de Cataguazes e a importância da Cinearte. Escreveu, produziu e dirigiu quase quarenta filmes, sendo que e alguns tornaram-se clássicos como Ganga bruta (1933), de Humberto Mauro, Bonequinha de seda (1936), de Oduvaldo Viana, O samba da vida (1937) e O cortiço (1945), ambos de Luís de Barros, e Pureza (1940), de Chianca de Garcia. Entre os filmes que dirigiu fizeram sucesso Barro humano (1929), Alô, alô, carnaval (1936), Romance proibido (1944) e Salário mínimo (1970). Morreu no Rio de Janeiro e dez amos depois sua filha, Alice, organizou o livro-álbum 50 anos de Cinédia, e também produziu em parceria com Carlos Aquino, Gonzaga Por Ele Mesmo (1988), que mostra sua importância dentro do pioneirismo do cinema brasileiro, os filmes produzidos (1930-1960), os bastidores da revista Cinearte etc.
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Biografia de Romy Schneider
Falar de Romy Schneider, passados pouco mais de vinte anos sobre o seu desaparecimento, em Maio de 1982, é recordar paralelamente os anos de ouro da minha juventude, quando os filmes, as actrizes e os actores nos marcavam de uma forma profunda e povoaram o nosso imaginário.
Romy Schneider como Sissi A televisão ainda não tinha chegado a todas as casas portuguesas, daí o culto pelo cinema começar bem cedo nos adolescentes e «quase» adultos. Havia os óptimos Cine Clubes por todo o lado, revistas de cinema de todo o género e nas praias de veraneio os bilhetes eram tão baratos que dava para ir ao cinema todos os dias. Víamos praticamente tudo, e nos nossos 18 anos sonhávamos com Grace Kelly, Catherine Deneuve, Ornela Mutti, Claudia Cardinale, Shirley MacLaine ou a doce de olhos dourados Marie Laforêt. As que tinham mais «seguidoras» eram Audrey Hepburn e Romy Schneider. Havia ainda outras actrizes que faziam «grandes estragos» entre a rapaziada como Brigitte Bardot, Virna Lisi, Jane Fonda, Sofia Loren e Gina Lolobrigida, mas essas tinham a ver com as medidas do busto. Foram, quanto a mim, os anos gloriosos do cinema europeu.
A primeira vez que Romy Schneider chegou aos nossos ecrãs, foi no papel de jovem imperatriz Isabel de Áustria, mais conhecida por Sissi da Baviera (1837-1898). História romantizada de uma princesa de 17 anos (a idade de Romy) que casou com o imperador da Áustria, Francisco José e que poderia ter sido um conto de fadas mas que redundou num casamento fracassado. O imperador amava Sissi, mas, desde os primeiros tempos de casados, que o protocolo da corte austríaca pesou demasiado sobre uma personalidade rebelde e ávida de liberdade como a de Isabel da Baviera. Nem os filhos conseguiram apaziguar o carácter sensível e livre de Sissi, a quem até era vedado educar os filhos, numa corte onde a sogra tudo decidia, com regras de etiqueta dos tempos de Carlos V ( séc. XVI). Sissi jovem e irreverente bem tentou lutar contra a corrente, mas o simples facto de não pôr luvas às refeições eram uma crítica velada e Sissi a pouco e pouco Sissi transformou-se numa mulher caprichosa e desadaptada a viver numa prisão dourada. Isabel de Áustria era uma mulher dos finais do séc. XIX e tinha uma visão arejada do papel mulher fosse ela imperatriz ou não. O marido e imperador adorava a mulher, mas não enfrentava a mãe e o fosso entre os dois foi-se cavando. Francisco José para a compensar satisfazia-lhe todos os caprichos. Mesmo assim Sissi sentia-se infeliz. Dada a maus presságios, parecia antever as tragédias que se abateram sobre a sua família e sobre ela própria. Depois de ter perdido uma filha com apenas dois anos, por esta ter ficado aos cuidados da sogra e do batalhão de criadas, quando teve de viajar, a sua vida passou a ser uma constante fuga. Dos outros? Dela própria? Viajava, viajava sempre, como Joana a Louca em busca da paz, que não encontrou. O marido mandou construir uma sumptuosa carruagem decorada com grande luxo, onde não faltava um pequeno ginásio e que era atrelada aos comboios para assim a jovem imperatriz viajar incógnita pela Europa. Sissi sentia a falta dos filhos e compensava essa ausência na leitura de poesia. Era uma mulher culta que estudou o grego antigo e dominava várias línguas. Era grande amiga do primo Luís II da Baviera (rei entre 1864-1886) que ficou na História como o mecenas do compositor Richard Wagner, e mandou construir os mais fantásticos castelos da Europa. Diziam-no semi-louco e acabou afogado num lago. Sissi sofreu com esta segunda perda. Em 1860 nasceu finalmente o filho varão, mas a imperatriz ficou extremamente debilitada, sobreveio-lhe uma tuberculose e foi aconselhada a passar seis meses na Ilha da Madeira, para descansar. Foi uma passagem histórica pela ilha portuguesa tendo ficado hospedada na Quinta da Vigia. Sissi impunha-se uma dieta draconiana, praticamente composta apenas de frutos, caldos de aves e leite. Fazia exercício físico várias horas por dia, daí estar sempre adoentada e necessitar de acompanhamento constante do seu médico. Era uma exímia cavaleira. Teve um refúgio de luxo em Corfu, para onde partia e onde alguns amigos a visitavam, sob a vigilância da polícia secreta do imperador, que mandava logo afastar qualquer amigo mais íntimo da imperatriz.
Curioso que já nos últimos anos da vida de Sissi foi ela mesma quem encontrou para o marido uma companheira, que o fizesse esquecer as suas ausências. Sissi foi além de imperatriz da Áustria, coroada, em 1857, rainha da Hungria, e foi neste país que provavelmente terá vivido os mais felizes tempos da sua vida atribulada. Teve aqui a sua última filha, Maria Valéria, que foi educada como uma húngara. O imperador que nunca deixou de amar a imperatriz pensou, quando esta filha nasceu que finalmente a sua mulher ia voltar para casa, mas Sissi era como uma ave errante e a liberdade era para ela como o ar que respirava.
Sissi quando percebeu que a sua imensa beleza estava a passar nunca mais se deixou fotografar nem pintar. Dela ficaram para sempre imagens de uma beleza indiscutível. A fatalidade bateu-lhe diversas vezes à porta e a sua morte foi um dramático acidente, porque foi assassinada por um anarquista que era contra as monarquias mas que não premeditara matá-la a ela especificamente. Em Setembro de 1898 foi apunhalada, quando em Genebra se preparava para apanhar um barco para Montreux. A notícia deixou toda a Europa consternada, porém nem todos os austríacos nutriam por Sissi grande simpatia, porque, diziam, que o seu dever era ter estado sempre ao lado do marido. Em 1998 na passagem do centenário da sua morte os austríacos já tudo lhe tinham perdoado. Hoje é adorada por toda a Áustria e até os historiadores reconhecem que Sissi teve uma acção importante como apaziguadora de tensões entre povos que faziam parte do imenso império Austro-Húngaro.
Romy Schneider foi uma maravilhosa Sissi no cinema, em cinco filmes de enorme sucesso e teve alguma dificuldade em se separar dessa imagem, mas como tinha verdadeiro talento acabou por se impor como actriz universal. Quando foi convidada, em 1958, para fazer o filme Christine com Alain Delon, a mãe, já uma reputada actriz acompanhou-a a Paris, vigiando-a de perto. Como Romy não sabia francês, nem inglês os primeiros tempos das filmagens não foram nada fáceis e sabe-se que o amor entre Romy e Delon só surgiu já as filmagens iam adiantadas e quando puderam finalmente ficar sós numa viagem que fizeram a Bruxelas para participarem no Baile do Cinema. Aí sim, descobriram uma fortíssima atracção e Romy, num acto de independência decidiu passar a viver em Paris, enquanto a mãe se viu forçada a regressar a Colónia, com o padrasto, percebendo que tinha «perdido» a filha. Romy Schneider tinha 20 anos e Alain Delon 23 e durante anos os fotógrafos não os deixaram em paz. Nesse período de euforia amorosa, os «namorados eternos» chegaram, em Março de 1959, a declarar «oficialmente» que estavam noivos. Jamais se casariam. Foram o par mais harmonioso e bonito do cinema europeu, como o foram, nos anos 90 Tom Cruise e Nicole Kidman.
Sob a direcção de Visconti, uma obra de John Ford com Romy e Delon foi adaptada ao teatro, em Paris, na primavera de 1961: Domage qu’elle soit une putain. Mais um desafio para Romy, que teve de dominar o francês e foi um razoável sucesso. Esteve oito meses em cartaz. A partir de então Romy passou a ser encarada como uma verdadeira actriz e não faltaram convites para filmar. A ex-Sissi fez questão de mostrar ao mundo que era muito mais que uma mulher deslumbrante, de uma beleza delicada, com uns olhos entre o verde e o azul num rosto perfeito, uma voz doce e um corpo de Afrodite. Podemos ver a sua beleza plena em fotos de vários fotógrafos, especialmente na série produzida pela fotógrafa britânica Eva Sereny em que posou nua, sem quaisquer inibições. Em 1963 já tinha na sua carreira dez filmes, pois iniciara a carreira aos 15 anos, num filme ao lado da mãe. Embora austríaca filmou também na Alemanha, em início de carreira.
Paris sorria-lhe. A grande dama da moda, Cocco Chanel adorava ver Romy vestida com os seus tailleurs e colares de pérolas e ficaram amigas. Usava-se o risco negro nos olhos, rímel, os lábios com baton vermelho e Romy aparecia sempre deslumbrante pois caprichava nas toilettes. Era elegantíssima, dentro e fora da tela. O realizador Visconti tornou-a num símbolo erótico, num episódio do filme Bocaccio 70. No ano seguinte Romy filmou O Processo, de Kafka com Orson Welles. A actriz contava que lhe chegavam às mãos centenas de guiões e que sempre os lia atentamente para apenas filmar bons argumentos com bons realizadores. Em 1963 foi a vez de Otto Preminger que consolidou a sua carreira de grande actriz internacional no filme O Cardeal. Foi dirigida por os mais prestigiados realizadores, como Claude Sautet, Claude Chabrol, Joseph Losey, Costa-Gavras. Andrzej Zulawski e tantos outros. E os actores, com quem contracenou, eram, sem dúvida «a nata» do cinema mundial: Jack Lemmon, Antony Quinn, Jean Claude Brialy, Jean-Louis Trintignant, Peter O’Toole, Michel Piccoli, Antony Perkins, Harvey Keitel, Hugo Tognazi, Marcello Mastroianni, Yves Montant, Richard Burton, Silvana Mangano, Jane Birkin, Isabel Huppert, Jeanne Maureau...
Romy Schneider e Alain DelonO seu filme de maior sucesso (que não o melhor) foi, em 1968, A Piscina. Nessa altura os eternos namorados, Romy Schneider e Alain Delon já tinham acabado a sua tórrida relação de cinco anos (entre 1958-1963) mas Romy não deixou de mostrar o seu profissionalismo, embora os media especulassem que o filme os podia fazer de novo cair nos braços um do outro. Mas tal não aconteceu. Delon diria mais tarde que, foi a partir deste filme que ficaram amigos para sempre! Talvez, mas Romy Schneider sofreu imenso quando Alain Delon a trocou de forma deselegante, por uma tal Nathalie Barthelemy. Romy filmava em Hollywood, e Delon em Madrid rodava A Túlipa Negra e deixava-se fotografar com Nathalie com quem viria a casar. Romy, um pouco por despeito, casou em 1964, com o realizador Harry Mayen. Do casamento de Romy nasceu David, esse filho adorado que a viria a marcar, até ao fim, a sua vida. Quando se divorciaram, em 1972, o marido exigiu-lhe metade da fortuna para que ela pudesse ficar com o filho e a actriz tudo deu por aquele filho que era a sua razão de viver. Cinco anos mais tarde esse desclassificado marido enforcou-se.
A vida apesar de tudo sorria à bela Romy, que fez entre 1953 a 1982 sessenta e três filmes. De um segundo casamento com o seu secretário, Daniel Biasini, teve a filha Sara, em 1977. Mas Biasini não terá sido o companheiro ideal para uma Romy bastante fragilizada no domínio dos amores. Sucesso só no cinema, pois foi distinguida com dois Césares (os Óscares franceses) em 1976 e 1979, como melhor actriz nos filmes Une histoire simple e L’Important c’est d’aimer. Na vida privada Romy sofria depressões e sabe-se que se refugiava no álcool e comprimidos e que parava para fazer curas de desintoxicação. O cinema e os filhos davam-lhe sentido à vida.
Por fim a tragédia. Como na vida da imperatriz Sissi, que viu o seu filho Rodolfo suicidar-se com a amante do momento (hoje sabe-se que foram assassinados), também Romy passou pelo transe de ver o filho David morrer de forma trágica, espetado nas lanças do gradeamento que protegia a casa da actriz. Estava-se em 1981 e David tinha apenas 14 anos. Romy Schneider não mais se recompôs dessa dor insuportável. Tinha a filha Sara, ainda muito pequena e resolveu comprar uma propriedade e ir viver para o campo. Já separada de Biasini e com um novo companheiro passou a viver em Boissy-Sans-Avon e numa manhã triste de Maio de 1982 encontraram Romy morta. Tinha 43 anos. O mundo ficou consternado com a sua morte. A França que sempre considerou Romy Scnheider como «sua», em 1995 fez a emissão de uma moeda de ouro de cem francos com o seu rosto.
Para culminar, em Dezembro de 1999 a Fígaro Magazine fez um grande inquérito sobre as dez mais belas mulheres do século XX e Romy Schneider ficou em primeiro lugar, logo seguida de Ava Gardner. Embora as gerações mais novas a não conheçam, um dia, quem sabe, um qualquer canal de televisão reporá os seus melhores filmes e provavelmente será moda imitar Romy Schneider, como se copiam Elvis Presley, James Dean, Marylin, Diana de Gales... Os ídolos têm mortes trágicas!
Biografia retirada daqui
Amélia Rey Colaço
Actriz e encenadora de teatro. Portuguesa, filha de um pianista de renome, Alexandre Rey Colaço, que foi professor do último rei de Portugal D. Manuel II. Teve quatro filhas e todas educou nas artes. Amélia desde jovem que se apaixonou pela arte de representar. Aos catorze anos já sabia que ia ser actriz e o pai proporcionou-lhe aulas com o mestre actor Augusto Rosa. Estreou-se em 1917 na peça Marinela, de Peres Galdós, no Teatro República (nome do actual Teatro São Luís). Foi uma das rainhas do palco com mais duas grandes actrizes, Palmira Bastos e Adelina Abranches. Casou em 1920 com Manuel Teles Jordão Robles Monteiro e tiveram uma filha, também actriz.
O casal criou, em 1921, a Companhia com o nome de ambos que actuou de início no Teatro Nacional de São Carlos, depois Politeama, o Ginásio, seguiu-se o Trindade e, em 1929, estavam no Teatro Nacional D. Maria II, onde transformaram uma casa velha numa verdadeiro sala de teatro. A nº 1 de Lisboa. A Companhia extinguiu-se em 1974, mas a vida como actriz continuou até ao fim. Amélia Rey Colaço teve uma carreira fulgurante onde se contam sucessos nas peças "Salomé", "Outono em Flor", "Um Marido Ideal", "Romeu e Julieta". "A Visita da Velha Senhora" e "As Árvores Morrem de Pé". A actriz e a sua Companhia foram também uma preciosa escola de actores. Coube a Amélia Rey Colaço a iniciativa de levar ao público peças de autores portugueses como António Ferreira (O Judeu) José Régio, Alfredo Cortez, Virgínia Vitorino, Carlos Selvagem, Romeu Correia, Bernardo Santareno, Luís de Stau Monteiro, entre outros.
Foi muito acarinhada na sua carreira tendo sido amiga pessoal da rainha D. Amélia de Orleães e Bragança e depois da queda da monarquia de todos os que amam o teatro. Fez ainda, no cinema mudo, o papel de Luísa no filme "O Primo Basílio" de Eça de Queiroz. Com mais de 80 anos entrou na série de humor da RTP, "Gente Fina é Outra Coisa". O último grande papel desempenhou-o aos 87 anos na figura de D. Catarina na peça de José Régio "El Rei D. Sebastião".
Informação retirada daqui
Henrik Ibsen
Henrique Ibsen nasceu em Skien, pequena cidade do sul da Noruega, no seio de uma família de profissionais da marinha mercante. Passou 6 anos da sua infância, de 1836 a 1842, na situação de grande pobreza devido aos negócios de seu pai não terem corrido de feição, o que o levou a empregar-se, ainda muito jovem, como aprendiz de farmácia em Grimstad. Permaneceu nestas funções até 1849, altura em que entrou para o Curso de Medicina da Universidade de Cristiânia (antigo nome de Oslo). Escrevera, entretanto, o drama em três actos Catilina, inspirado nos estudos que fizera da obra homónima de Cícero. O êxito obtido com esta peça desviou-o completamente do curso de medicina. Em Novembro de 1851, empregou-se como gerente do Teatro de Bergen. Em 1856, teatros noruegueses e suecos apresentaram o seu primeiro drama: O Banquete de Solhang. Em 1857, passou a desempenhar as funções de director do Teatro Norueguês em Cristiânia, tendo feito representar três peças suas, entre as quais A Comédia do Amor. Mas se as suas peças foram um êxito, o mesmo não se poderá dizer do modo como administrou o teatro que acabaria por ir à falência. Tendo tido dificuldade em se empregar, vai para o estrangeiro durante 10 anos, primeiramente para Roma e posteriormente para Dresda. Mandaria, no entanto, as peças que ia escrevendo para o seu país natal. Em 1891, volta à Noruega, fixando-se em Cristiânia. Entre as suas principais ideias poder-se-á referir a suprema importância que deu ao carácter individual da personalidade e a sua crença de que o maior mal que se pode cometer é o da negação do amor. Viu no desenvolvimento e florescimento psíquico do indivíduo a unica esperança de uma sociedade realmente culta, tendo combatido contra o cristianismo convencional em nome de um Cristianismo mais genuino e intenso.
Alguns das suas obras em português apresentam títulos ligeiramente diferentes dos a seguir referenciados. Tal deve-se a opções de tradução do norueguês para português. Por exemplo, a peça Os Pilares da Comunidade já foi traduzida como As Colunas da Sociedade...
Catilina (1849)
O Túmulo do Guerreiro (1849)
A Noite de São João (1853)
A Senhora Inger de Oestrat (1855)
A Festa de Solhaug (1856)
Olav Liljkrants (1857)
Os Guerreiros de Heligoland (1858)
A Comédia do Amor (1862)
Os Pretendentes à Coroa (1864) drama histórico Brand (1866) poema dramático
Peer Gynt (1867) poema dramático
A Liga da Juventude (1869) comédia política
Imperador e Galileu () drama histórico
Os Pilares da Comunidade (1877)
A Casa de Boneca (1879)
Espectros (1881)
Um Inimigo do Povo (1882)
O Pato Selvagem (1884)
Rosmersholm (1886)
A Dama do Mar (1888)
Hedda Gabler (1890)
Solness, o Construtor (1892)
O Pequeno Eyolf (1894)
João Gabriel Borkman (1896)
Quando Andamos entre os Mortos (1899)
Extractos
O presente extracto tem por intuito levar os eventuais utilizadores do Canal de Biografias do Portal O Leme a conhecer um pouco do estilo do autor, constituindo, simultaneamente, um incentivo para uma leitura global.
Extracto do final do III Acto de OS PILARES DA COMUNIDADE
Esta peça retrata a falsidade em que a nossa sociedade vive,
preocupada essencialmente em salvar a todo o custo as aparências
[...]
Aune entra pelo jardim com Olaf.
BERNICK, dirigindo-se para ele - Olaf !
OLAF - Pai, prometo que não voltarei a fazer isto !
BERNICK - A fugir ?
OLAF - Sim. Nunca mais !...
BERNICK - E eu prometo-te que não voltarás a ter vontade de sair daqui... No futuro poderás viver livremente, não como herdeiro do que fiz, mas como alguém que tem o seu próprio trabalho...
OLAF - Deixa-me fazer tudo o que eu quiser ?
BERNICK - Deixo.
OLAF - Obrigado... Não quero ser pilar da comunidade !
BERNICK - Não ? Porquê ?
OLAF - Porque deve ser muito aborrecido...
BERNICK - Serás o que quiseres !... As coisas devem seguir os seus trâmites... Quanto a ti, Aune...
AUNE - Já sei... Estou despedido...
BERNICK - Não nos separamos... Desculpa...
AUNE - O que ?! O barco não parte esta noite !
BERNICK - Nem amanhã... Dei-te, na verdade, muito pouco tempo... O trabalho deve ser feito convenientemente...
AUNE - E há-de ser, senhor !... Utilizando as novas máquinas...
BERNICK - Sim, mas com consciência... Há muitas coisas que precisam de uma rigorosa vistoria... Boa noite, Aune
AUNE - Boa noite, senhor. Muito obrigado!
Sai pela direita
MARTA - Agora já todos partiram...
BERNICK - E estamos sós... O meu nome já não brilha em letras de fogo... todas as luzes das janelas se apagaram...
LONA - Queres que as acendam outra vez ?
BERNICK - Nem pensar nisso... Onde estive eu ? Ficarão espantados quando souberem. Parece que recuperei os sentidos depois de ter sido envenenado... Sinto que posso ser outra vez novo e forte... Vem cá, Betty ! E tu, meu filho ! Vem para aqui, Marta... parece que não vos vi durante estes anos...
LONA - Acredito... Esta comunidade é quase toda constituída por solteirões... Vêem-se poucas mulheres...
BERNICK - É verdade !... E por essa razão, está decidido, Lona... não deixarás de estar ao pé da Betty e de mim.
SENHORA BERNECK - Não deves sair daqui, Lona !
LONA - Como seria eu capaz de deixar pessoas tão novas que estão prontas para começar agora a sua vida ? Sou a vossa mãe adoptiva... Marta, tu e eu somos duas solteironas... O que é que estás a ver ?
MARTA - O céu está a ficar muito claro... Do lado do mar... O «Palmeira» vai ter boa viagem...
LONA - A bordo haverá pessoas muito felizes !
BERNICK - Ao passo que nós temos à nossa frente um dia de trabalho... principalmente eu... Enquanto vos tiver junto de mim, a vós, mulheres fiéis e verdadeiras, sinto-me bem... Nestes últimos dias aprendi também que são elas os autênticos pilares da comunidade...
LONA - Então aprendeste mal... (Pondo-lhe as mãos nos ombros.) Ouve, os pilares da comunidade são o espírito de justiça e de liberdade.
CAI O PANO
Os Pilares da Comunidade, tradução e introdução de Mário Delgado, Lisboa, Editorial Presença, 1964
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